<연극연출: 원리와 기술> 인민수 저 요약

 

 

안민수 <연극연출:원리와 기술>

 

제1부 예술로써의 연출

 

 

1. 연출 창조의 충동과 기쁨

연극을 왜 하는가?, 연출은 왜 하는가? 이와 같은 질문에 최초로 학문적인 언급을 한 사람은 바로 아리스토텔레스이다. 그는 그의 저서 시학에서 연극을 하는 이유는 '즐거움'때문이라고 간단히 정의했다. 그렇다면 그 즐거움은 어디서 기인하는 것인가.

 

1) 리듬과 하모니의 즐거움

리듬이란 어떤 운동이 있을 때 그 운동이 진행되며 만들어내는 궤적 혹은 자취를 의미한다. 그리고 여러 개의 리듬이 복잡하게 동시에 엮어져서 만들어내는 질서를 조화, 즉 하모니라고 말할 수 있다. 이와 같은 리듬과 하모니는 우리가 어머니의 태아로 존재할 때부터 느낄 수 있으며 좀 더 크게 말해 모든 자연현상에서 느낄 수 있는 아름다움이다. 파도의 밀려옴과 나감, 일출과 일몰 등 모든 현상이 리듬과 하모니를 이루고 있다. 최초의 무용과 음악은 이렇듯 자연의 리듬과 하모니를 흉내내는 데에서 비롯된 것이다. 이러한 최초의 흉내는 모방하는 자 뿐 아니라 그것을 보는 인간에게도 즐거움을 주는 일이 되었을 것이며 처음에는 모방의 단계로 시작해, 차츰 변주나 템포를 통해 새로운 하모니를 창조하기에 이른 것이다. 즉 리듬과 하모니의 창조자인 연출 예술 또는 그외의 역할로 연극에 참여함으로써 얻는 이러한 체험은 마치 아득한 고향에 돌아온 듯한 느낌과 즐거움을 줄 수 있다.

 

 

 

 

2) 정서 교류의 욕구

연극에서 리듬과 하모니가 창조되는 방식은 연극의 특별한 예술 형태와 관계가 깊다. 흔히 연극을 행동의 예술 이라고들 말하는데 그렇다면 '행동' 이란 무엇인가.

연극적 의미에서 행동이란 단순한 동작, 그 이상을 뜻한다. 외형적으로 보이는 움직임이나 사건이 아니라 그 이면에 일어나는 인간 심리 이면의 움직임을 의미하는 것이다. 질투, 명예욕, 마음의 작은 움직임부터 큰 움직임까지 이런 모든 정서가 외부로 표출되어 행위로 나타날 때 이것이 연극에서의 행동이다. 그러나 정서의 움직임이 외부로 표출되는 것만으로는 극적 행동이 아니다. 즉 '갈등' 과 '해결' 이 있어야 한다는 것이다. 인간이란 존재는 자신의 욕구를 방해하는 다른 욕구와 부딪치기 마련이다. 그것은 환경일수도, 사람일수도 있고 이런 갈등을 마주하고 해결하는 과정에서 극적행동으로 발전한다. 아리스토텔레스는 연극적 행동의 결과를 "궁극적으로 연민과 공포를 통하여 카타르시스를 야기해야 된다" 고 정의했는데 이는 관객과의 정서적 교류를 구체적으로 언급했다고 할 수 있다.

 

3) 삶의 모습을 창조하는 기쁨

연극은 기본적으로 삶의 모습을 창조하는 예술이다. 그렇다면 삶의 모습을 창조하는 다른 예술과 연극이 다른 점은 무엇일까.

첫째는 연극이 종합 예술이란 점이다. 삶의 모습을 그리는데 있어서 단순히 소리, 글 하나씩에만 의존하는 것이 아니라 사람이 사는데 필요한 환경을 이루는 모든 것이 다 동원되어 종합을 이루면서 만들어진다. 그렇기 때문에 다른 예술보다 창조의 과정이 더욱 흥미롭고 매력적일 수 있다. 둘째로 연극은 동시성과 현장성의 예술이라는 점이다. 연극은 공연이 진행되는 과정에서 순간순간 재창조되고 소멸한다. 따라서 어제 본 공연이 오늘과 반드시 같으리란 보장이 없으며, 한번 본 연극은 두번 다시 돌아오지 않는다. 이런 현장성과 소멸성에 말미암아 연극은 다른 어느 예술보다 인간 정서에 호소하는 힘이 강렬한 것이다. 셋째로 연극은 연습의 예술이다. 특히 연출은 더욱더 그러하다. 연극은 관객과 만나는 그 순간의 현장 예술이지만 동시에 헤아릴 수 없는 연습을 통해 다듬어진 삶의 형태가 된다. 따라서 우리의 인생과는 다른, 어떤 완전성과 잘 짜여진 진실의 세계를 보여주게 되고 관객은 이를 보며 감동을 받게 된다. 연출가는 연극에 참여하는 모든 참여자 중 자신의 작품을 감상할 수 있는 유일한 사람이다. 바로 이러한 순간에 연출가는 최초의 리듬과 하모니가 형성될 때와 유사한 신비한 경험을 하게 된다. 이러한 연극 창조 이후의 체험은 바로 연출가만이 가질 수 있는 특권이다.

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2. 연출의 다양한 입장

연출의 입장은 '해석 예술가'와 '창조 예술가'로 나뉜다.

이 둘의 특징을 자세히 알아보도록 하자

	해석 예술가	창조 예술가
희곡	자신의 생각을 표현하기보단 작가의 입장을 충실하게 재현. 그러나 연출가마다 해석의 방법이 다르므로 같은 작품을 공연한다 해도 연극이 달라질 수 있음. 작품을 쓴 작가보다 작품을 더 상세하고 자세히 이해할 때만 완벽한 작품을 완성할 수 있음.	기존에 존재하는 희곡을 깨고 부수어 자신만의 색다른 희곡으로 재창조가 가능하다. 연극적 요소를 모두 사용하여 전혀 보지 못했던 실험적, 색다른 방식의 연극을 만들어 낸다. 관객에게 수용되지 못할 경우 좋지 않은 결과가 나오기도 하지만 이들이 연극 역사의 발전에 끼치는 영향은 결코 무시할 수 없다.
작업특성	작품 선정과 해석에 있어서 갖는 절대적인 권한. 배역 캐스팅과 그 결과에 따른 책임을 지는 직책. 배우들의 연습을 진행시키는 존재. 제작진 구성과 운영에도 상당한 권한과 영향력을 행사. 공연 장소 선정에도 권한을 갖는다. 작품을 철저히 해석하고 많은 극단원들을 조율하고 그들을 증진시킨다. 배우를 배우로 존중.	구체적이고 잘 설정된 작품보단 해석의 여지가 많은 작품을 선호. 작품을 결코 목적이 아니라 수단으로 사용. 자신의 의견을 피력하기 위한 내용의 희곡을 고른다. 공동 창작, 자필 희곡, 새로운 사람을 캐스팅하기보단 기존 단원들과 계속 극을 진행시켜 나감. 경우에 따라선 배우가 배우가 아니라 그냥 오브제로 취급되기도 함. 기존의 공간을 선택하기 보단 새로운 공간을 만들어 내거나 새로운 무대 형식을 창조함. 현대적인 극장 기기 사용에 적극적임.

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3. 연출의 역사

 

1) 시인-연출가

고대 희랍극에서는 아르콘(제전의 기획자. 참가자 선정), 코레고이(후원자), 디다스칼로스(연기지도) 이렇게 세 개의 직책을 가진 사람들이 모여 연극을 진행했다. 다시 말해 이 세명이 모였을 때 비로소 오늘날의 연출가와 비슷한 일을 했다고 할 수 있다.

 

2) 중세 프롬프터

중세 시대에는 프롬프터가 연출을 수행했다. 중세시대의 연극은 아마추어의 간이 연극이었기 때문에 며칠씩 공연되는 많은 대사를 단원들은 암기할 수 없었으며, 단지 옆에서 조용히 불러주는 대사를 받아 연기하거나 그의 지시에 따라 움직일 뿐이었다.

프롬프터는 대사를 불러주거나 행동을 지시하고, 배우를 연습시키는 등 오늘날의 무대감독에 흡사한 일을 했다고 할 수 있다.

 

3) 16,17세기의 시인=연출가

16,17세기의 극작가들은 그들 자신이 연출을 담당하는 경우가 많았다. 셰익스피어와 몰리에르 같은 이들은 극장 주인이자, 배우이고, 연출가의 일을 모두 담당하는 등 그들의 권한이 막강했으므로 그들이 총체적인 지휘자로서의 역할을 담당했던 것은 너무나 당연한 일이었다.

 

4) 배우 -연출가

코메디아 델라르테는 이탈리아 르네상스기에 나타난 전문 즉흥 연극단이다. 그들은 대본 없이 전체적인 줄거리의 개요만 가지고 공연에 임했으므로, 즉흥 연기에 뛰어났으며 다양한 몸짓과 곡예 등과 같은 훈련된 기술을 가지고 있었다. 이때 지도자격 배우를 중심으로 이들 인물들이 연극을 엮어 나갔으므로 그가 연출을 담당했다고 볼 수 있다.

 

 

 

 

5) 18,19세기 배우-연출가

당시의 연극은 낭만주의 연극의 전성기로부터 사실주의 연극의 진입과정을 의미한다. 낭만주의 연극이란 인간의 감정을 마음껏 자유롭게 분출하는 연극이다. 그리고 중심 인물을 타 배우들이 둘러싸고 마치 병풍과 같은 역할을 하는, 즉 스타 중심의 연극이 행해지던 시기였다. 기록에 따르면 이들 스타 배우가 희곡도 선정하고 극단 운영은 물론 배역 설정 및 연습까지 도맡았던 것으로 보인다. 마치 오늘날의 연출가와 다름없는 일을 하였다.

6) 사실주의 연극의 성립과 연출가의 독립

19세기 후반 사실주의 연극이 시작되면서 여러 무대 요소들을 총체적으로 책임질 사람이 필요해지게 되었다.

일상속에서 일어나는 사실적인 일을 다루면서 스타 배우의 필요성은 점차 줄어들었고 사실성을 강조하기 위해 무대 위에 등장하는 소품과, 기술적 능력은 비약적으로 발전하게 되었다. 그러한 발전은 기술의 전문화를 불러왔고 결국 누군가 하나가 그 모든 것을 총괄하지 않으면 불가능한 상황이 되었다.

둘째, 사실주의 연극은 앙상블 연기가 강조되었다. 즉 배우 하나가 독단으로 뛰는 현상이 아니라 모든 배우가 조화롭게 서로의 역을 충실하게 연기하며 실제의 모습 그대로를 재현된 장치 속에서 보여주는 것이 중요해졌다. 따라서 이러한 결과를 내기 위해 철저한 연습이 필요했고, 자연히 모든 작업을 추진해 연습을 이끌 지도자의 필요성을 낳았다.

7) 새로운 연출가들

19세기 말에서 20세기에 걸쳐 사실주의 연극 운동은 유럽 전역에 걸쳐 일어났다.

마이닝겐이나 앙드레 앙 투안, 헨릭 입센, 러시아의 스타니슬라프스키 같은 사람들은 실제 소품을 활용하는 등 다양한 방면에 걸쳐 사실주의 연극을 발전시켰다.

8) 연출가의 출연을 주장한 이론가들

아돌프 아피아와 고든 크레이그는 낭만주의 연극에 결여된 통일성을 획득하기 위해 독립된 연출가의 미적 목표와 일사불란한 지휘권을 주장하기에 이르었다.

9) 창조 연출가의 출연

연극의 역사는 희랍 이후로 완만하게 발전해 오다 사실주의 연극 이후로 매우 빠른 속도로 변화하고 있다. 1960년대 이후로 개성있는 연출가들이 많이 등장하며 다양한 연극의 형태를 실험하였고, 그들의 수많은 실험은 다양한 운동을 낳았다. 연극은 더 이상 배우와 극작가의 것이 아니라 어떤 연출가의 작품인가를 묻는 시대가 된 것이다.

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4. 연출의 기능

창조 예술가와 해석 예술가는 서로 작업 스타일이 다르므로 그 둘의 공통점을 간략하게 정리하기로 한다.

1) 연극 예술 장작의 지휘.

(1) 기초 설계의 책임

(2) 설계의 종합과 진행

2) 기획 및 경영에 참여

(1) 작품 선정과 해석을 통한 참여

(2) 예산 집행에의 참여

(3) 아마추어 연극에서의 절대적인 권한

3) 연극 제작의 교사

(1) 연기 지도의 역할

(2) 연극 교사의 역할

4) 설계 집행의 기능인

(1) 기초 설계에 필요한 기능

(2) 극장 설비 이용에 관한 기술

 

 

 

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5. 훌륭한 연출가의 자질

1) 상상력과 창의력

2) 지휘력과 추진력

3) 인접 예술에 대한 소양

4) 풍부한 현장 체험(무대 및 삶의 현장)

5) 체계적인 이론적 배경